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我们说西方电影一直是两大传统交替发展，写实主意传统和技术主义传统，那么在这些影响下，电影摄影最具代表性的两个流派就浮现出来，绘画派和纪实派。
绘画派
注重借鉴绘画构图的原则，讲究画面的整体布局。画面内景物的安排有主有宾，有藏有露、疏密相宜，简繁有度；注意人与景、光与影、暖色与冷色之间的和谐、对比、变化、均衡等构图规律。他们注重静态构图，善于在静态画面中安排人物调度，考虑镜头结构，史之动而不乱，合乎章法。因此每个镜头都要精心设计，反复的排练。在光线处理上，虽然尊重自然光源的真实效果，但又往往从特定的剧情内容出发，充分运用光线的假定性和装饰性。对人物用光，注意主、副光的配合，并往往用轮廓光来突出人物，用装饰光来修饰细部。所谓五种基本光效，就是这一派摄影师们最初的经验总结。
纪实派
强调遵循逼真性的电影纪实美学原则，力求画面的自然，感和生活化。他们虽然也十分注意画面的结构，但绝不拘泥于传统的构图规律，常常有意破坏画面布局和谐、对称，颠倒宾主关系，运用画面的反向构成等来揭示人物的真实感受，丰富画面造型形式。他们不过分追求造型细节的精细描绘，比如绘画派会用光线来修饰一缕头发或一件衣服，他们不会，而是把注意力集中在捕捉富有感情色彩的人物动作上，抓取他们的喜怒哀乐，传达角色的感情信息。虽然在各并镜头上看，构图即不均衡也不完整，但在场面的总体气氛上则呈现出一种整体感。纪实派善于采用大量的运动镜头，充分发挥电影动的特性。在多景别的长镜头运动过程中，不忌讳不规则的前景的遮挡或闪过，有时还有以设置这种前景，使画面产生更加真实的效果。他们在用光上，强调画面中固有光源的真实再现，不墨守于集中基本光效的运用，即便使用人工光做辅助光，也尽量使其不露痕迹。
上一章我们讲了卢米埃尔兄弟拍摄的影片，都是生活片段的简单记录。在当时人们的兴趣只在让影像动起来，并不关心如何动才美。这时的影片可以说是纪实派摄影的雏形。当人们对电影照相式来表现生活琐事的新鲜感过去之后，开始不满足于单纯刻板的照搬，对戏剧情节，画面造型艺术水平，都开始有了要求。当梅里爱第一次把戏剧和舞台演出引入电影，格里菲斯又以不同景别和角度的画面组接，创造了全新的电影观念以来，电影逐渐使用布景、棚内拍摄、人工照明等方法，同时也吸引了不少画家参加到电影阵营中来，担任导演和摄影，形成了绘画派。电影雅论在光线、色彩、构图等各个方面都从绘画艺术宝库中吸收了极为丰富和有益的营养。绘画派的形成可以说和当时电影受技术条件的制约也有一定的关系。摄影机和照明设备的笨重，使摄影师只能拍摄以静态画面为主的影像，加上在20年代中后期，声音实现进入电影，但是当时受录音技术的限制，摄影机必须被套在一个大隔音的玻璃盒子里面，以免运转的声音过大影响录音，而且许多外景也必须搬入棚内拍摄，或采取各种合成的方法。胶片的感光度低，只能以黑、白、灰三种阶调再现客观实体的形态和质感，使得摄影师必须较多地借助人工光来赋予景物生命。他们用顶光、轮廓光把人物与背景分开，用假定性的装饰光、辅助光、眼神光等让光中弄清场面环境，看清演员表演。所以所谓的五种基本光效，就成了当时绘画派常规用的不可缺少的表现手段。但是绘画派摄影形成完整的美学体系，还是在蒙太奇理论建立以后。爱森斯坦把格里菲斯等人的实践经验上升为理论，进一步阐释了蒙太奇的艺术作用，丰富了电影视觉艺术的表现力，同时也在一定意义上试图摆脱电影的纪实性，追求假定性。他们认为电影作为艺术，不能只是单纯地记录现实，必须对现实加以提炼、加工、改造、才堪称为艺术作品。绘画派也正是基于这一认识，强调队被摄对象必须加以必要的取舍、改造、布局后才能摄入镜头。对于布景的选用，人物的调度，乃至墙上的一幅画、一条光，桌上的一束花，一本书，地面的一弯水、一道沟等等都要精心取舍与布局。绘画派摄影最初形成时也有自己的局限性，由于受绘画构图和舞台调度的影响，没能充分发挥电影自身的特长，不习惯处理大幅度的运动镜头，不善于从“动”的概念出发来结构画面造型，有时构图过于讲究、光线过于细腻，不觉露出人工摆布的痕迹。 |
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发表于 2021-3-26 19:37:25
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发表于 2022-3-13 02:41:40
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