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【摘要】 戏剧艺术是创造舞台演出形象的艺术，也就是把具体的文学形象创造成为舞台演出形象的艺术。让观众直观感受到具体的舞台情境和在舞台情境中具体进行着行动的任务。这样的既有情境又有行动着的任务的舞台演出形象就必须由导演、演员、舞台美术家、戏剧音乐家等全体舞台艺术创作人员共同创造。
[关键词] 戏剧艺术 舞台情境 艺术创作
一、戏剧艺术是综合艺术，演员应该学会与导演合作
戏剧艺术是创造舞台演出形象的艺术，也就是把具体的文学形象创造成为舞台演出形象的艺术。让观众直观地感受到具体的舞台情境，和在舞台情境中具体进行着行动的任务。这样的既有情境又有行动着的任务的舞台演出形象就必须由导演、演员、舞台美术家、戏剧音乐家等全体舞台艺术创作人员共同创造。
但对于在校的学生来说，他们身处的环境还是比较特殊的，他们还是不同于剧院的演员，有一定的社会经历，也没有过严格意义上的集体创作的环境。四年的教学过程中，他们缺乏与各部门合作的机会。在他们最为熟悉的合作伙伴中只有同学和老师，但是在将来他们走上艺术创作工作的时候，就要与各部门打交道，特别是演员。同时也有必要向学生介绍各部门的艺术特性，让学生在理性上清楚的认识到何谓戏剧艺术的综合性。
虽然构成戏剧艺术最主要的因素，也是最本质的因素，就是演员的表演艺术。但是剧本作为一度创作为戏剧的构成确定了基础，而演员，导演及各部门构成二度创作，导演在戏剧艺术的综合结构中是起着综合作用的。导演并不是综合运用各个舞台艺术部门来进行创造的，各个舞台艺术部门都是相对地有自己独立的艺术创造。导演是综合运用各个舞台艺术部门的创造来进行他的导演创造。而导演最直接的创作材料又是演员，“以表演艺术为中心”。还意味着：所有舞台艺术部门都是环绕着演员创造人物形象这一中心来进行创造的。
对于即将离开老师的学生，将来在社会上会遇见不同风格的导演，所以演员要明白，舞台人物形象的诞生。是演员与导演共同创造出来的。演员要学会与导演的工作，这样在以后的工作中，才不会出现妄自尊大的现象。演员的创造过程，必须是在导演的整体构思的基础下完成的。演员单纯的去阅读剧本、分析剧本、理解人物、构思人物形象……这些工作，必须是在理解了导演的创作意图和对人物的解释，对人物的整体构思，以及导演会要求演员用什么样的气质作为创作材料之后才开始了演员的创造过程，从而演员对人物才能更深的理解。因为导演的人物构思对于演员的人物构思是起主导作用的。当然演员也不能妄自菲薄，特别是刚成为演员的学生。不敢于同导演去共同探讨，其结果就变成了导演怎么说，我就怎么做的结果。这种情况很多，特别是在影视剧的拍摄中，演员的能动性就会削弱，成了导演手中的“木偶”，这样的结果会导致导演越急，演员的创造越无所适从，这必然会影响到艺术作品的呈现。
导演要善于启发演员，演员也要学会与导演的合作。演员要在理解导演的意图的情况下去把握自己对人物的主动权，导演与演员的工作就是相互刺激的过程，要做到导演的构思中有演员，演员的构思中有导演，只有这样，才能共同创造出优秀的艺术作品。
二、从排练厅转向舞台
演员的创作成果最终是要到舞台上与各部门合作，同时最后经观众的检验，才能完成整个的创作过程。
1.利用视觉空间
在排练厅里的排练，所使用的布景和提供演员表演的支点，大多是排练厅里的道具或积木。而进入剧场，走上舞台便会进入由舞美工作人员搭建成的布景空间里。这种变化对于学生来说是很新鲜的，他们不是成熟演员，公演的机会少。所以在第一次进入剧场，进行舞台合成时，是他们建立人物形象的重要阶段。
舞台上有了楼梯，有了门，有了桥……丰富的舞台支点元素立在舞台上，演员除了要去利用它以外，还要开始新的创造。因为空间的层次感，会给当时的演员提供意想不到的心理感觉。学生要在舞台的布景中反复的行走，去熟悉布景。任何一个人在自己的家里，都有自己独特的布置和摆放的习惯。所以学生要亲手去触摸舞台布景，把自己在头脑里形成的舞台生活氛围与真实的布景去做比较。哪些地方是熟悉的？哪些地方是陌生的？因为演员所创造出来的艺术形象最终是在这里完成的。在开始演出之前，演员必须要活在里面。在《油漆未干》的合成时，我们花了很长的时间让学生去熟悉舞台上的“家”，虽然演员在演出中只在上面停留两个小时左右，但是作为人物，他们在此已经生活了几十年。
在舞台上这个“家”里，演员还要熟悉和适应舞台的其他部门的工作，对其他部门完成舞台呈现的所有处理要明白、理解；要让演员（学生）去感觉灯光变化的过程，舞台布景的变化过程，通过其他部门在舞台上表演，为演员最后完成角色的创作提供尽可能大的生活空间。而服装、化妆以及道具（手持道具）是离演员最近的舞美部门，它们既要适合演员同时更重要的是要适合于角色，它们是帮助演员创造人物形象的又一重要组成部分。
所以说，学生要善于通过了解和感受各部门的艺术创作，并加以利用，因为各部门的工作，最终都要通过演员的表现来达到目的。
2.利用动作空间
舞台的本质是演员的动作空间，最具有表现力的一些舞台调度，有时是在舞台合成时完善的。演员要充分利用舞台空间，在具体的支点上展开动作，可以在最佳的舞台位置上将人物的台词清晰的传达到观众那里。
比如：在排练《图兰朵》时，学生在排练厅里一直很难把握图兰朵独白的一场戏。虽然为了人物内心的解释运用了很多音乐、音响、人为的走动等诸多方法，这位学生还是很难把握，最后是在舞台合成时解决了这个问题。当学生站立在舞台上，我们大胆的利用舞台提供的支点，让它们互动起来。学生在舞台上去组织了一系列的动作，对于布景来说，本来是静止的，但因最后配合了动作而注入了生命，学生也找到了人物那时那刻的感觉。
通过这个练习，很多学生，在舞台上重新来看待已经设计好的舞台调度。根据布景提供的支点，加以补充了很多精彩的段落，这样不仅让演员更充分的相信“假定性”，同时也让布景变得有生命力。
3.利用心理空间
与利用动作空间一样，在排练厅里，学生看不到灯光，布景的变化，所以在表现人物内心或思想变化的一些段落，有些吃力。但在舞台上，舞台美术也可以通过有效的手段，把人物的思想、意识等内心活动表现出来。演员要善于把多种手段转化到角色的身体，这样有利于人物形象的塑造。
要了解灯光在此刻的变化、布景移动的目的等。要让角色在舞台的气氛中溶化掉。演员不能不关心这些艺术部门的创造，而是要把各部门的创造化在角色的身上，就象去化身角色一样。还要把化身好的角色化身到舞台上，化身在景、灯、服、妆里。这样才能达到完整的人物塑造。假如在合成期丢掉了人物创造，那最后提供给观众的一定是不完整的艺术形象。
三、通过总体创作的艺术整合
1.剧本的再次认识
舞台合成结束之后，就进入了联排阶段。在这个阶段，演员开始在未来的演出模式里进行模拟演出。这就要求学生学会在这个时候，认识到剧本重读的重要性，因为他们的脑子里已经形成了未来的演出样子，所以可以安排在剧场内重读剧本，这样会激发起他们具体的想象，重新讲述全剧的事件发展过程，再次梳理人物的贯穿行动和最高任务。
同时他们在脑子里可以重新演出全剧，以理性的方式来检查自己。演员的艺术是遗憾的，从来也没有哪位演员可以看到自己的演出，虽然现代科技可以解决这个问题，用录相的方式，但是这与在现场还是不同的。因此在剧场的特定环境内，共同阅读，可以带领他们走进剧本，走进规定情境，更加重视舞台艺术，对剧场、对舞台产生神圣感，培养学生在将来的工作中，养成好的习惯。
2.与观众见面
每一次演出都要求演员必须保持高度的紧张与情绪，要有良好的身体状态及心理状态。演员在等待上舞台进行表演之前，要给自己足够的时间来酝酿角色。无论是台词还是形体，都应该有充足的时间得以锻炼，决不能匆忙上场。必要的时候同台的演员还要在一起做一些表演练习。比如：注意力练习、松弛练习、想象练习等。通过这样的练习，同台演员必然会把自己调整到最佳的状态。虽然现在有些社会上的演出出现过很不好的现象，在演出快开始的时候，有些演员还徘徊在剧场门外。甚至有些演员对自己的心理及肢体根本不加修饰，对演出本身极不严肃。试想在这样的状态下又如何能创造出鲜活的人物形象呢？但在学院里教师不仅要传授学生表演技巧，同时也要加强演员的职业道德的培养。
从心理上尊重演员自己的创作成果，更要尊重观看演出的观众，因为在大幕拉开的一刹那，演员的最终创造过程才真正意义上的开始了。演员在观众的审美中完成自己的舞台艺术形象的创造，没有观众的参与也就无法构成戏剧。观众在审美的过程中，不时地反馈给演员掌声、哭声及笑声。这些都是最好的刺激物。因为演员在舞台上演出的时候，精神是空前的饱满。精力是高度的集中，艺术创造力也是激发到了前所未有的状态。
当然，演员也不能沉醉在观众的反应里，要有清醒的头脑来判断观众的反应，不能一看见空排空座就神经紧张，这样会造成不正确的心理状态。也不要因为观众的热情高涨，而无法控制在场上的情绪，而丢掉了人物的真实感觉。在台上展现自己。所以说在与观众见面的过程，也是一个创造过程，演员要有良好的心态来对待每一场演出，不断地修正自己，以求最终的完美。
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发表于 2020-5-22 20:57:10
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